・疑問と答えの連鎖
・脚本は字ではなく、時間を描くものなり
・「構造」の獲得
・同化効果、異化効果
・ストーリーを越えろ
・映画は体験
・「ダレ場」がないと映画にならない（キャラクターを離れる瞬間）
・映画は世界観とストーリーとキャラクターの組み合わせが全て
今回は「ダレ場」について考えてみる。
アニメは兎にも角にもキャラクターが全て、世界観や場合によってはストーリーも二の次だ。映画とはそこが決定的にちがう。
「ダレ場」とはキャラクターがいなくなる時間。簡単にいえば、アニメだと背景オンリーになるシーンだ。
映画にはこの「ダレ場」がないと映画にならない。といのは、キャラクターに成長の機械が必要だからだ。キャラクターはダレ場で消え、成長して帰ってくる。出続けていると成長する機会がない。
マンガにはこの「ダレ場」が作りにくい。ちょっとでも飽きられると読者は逃げていくからだ。それでもやはり、マンガでもキャラが成長する機会は必要。
ではどうするかというと、その間は別のキャラクターが活躍する。
ドラゴンボールで悟空が修行中は他のキャラで場を持たせる。フリーザ編のベジータやピッコロがその好例。
ナルトでもナルトとサスケが交互にでてくる。
マンガでは複数の主人公格を用意することによって「ダレ場」をつくっているじゃあないかな？
]]>保存可能作品と保存不可能作品。
着地点とは？
その作品が、どのように展示されるか。保存されるか。利用されるか。といった制作が終了した時点からの存在方法。公開方法。
なぜならインスタレーションと美術館での展示を同列の「展示方法」として扱ってはいないはずだから。例えば次の言葉は成立せねばならない。
「絵画をインスタレーションする」
油絵が壁に掛けられる可能性と同様に、インスタレーションとして発表される可能性ももっているはずだ。だがそうはならない。実際には
「絵画でインスタレーションする」つまりインスタレーションの道具として絵画を用いるという、インスタレーションの主体化が行われてしまうのだ。インスタレーションは独自のジャンルとして確立されたことが事態をややこしくさせている。
インスタレーションの一言でまとめられる様々な作品発表形態は、何かしらの空間演出的発表と言い換えほうがよさそうだ。
油絵にしろ、日本画にしろ、展示には不釣り合いな場所がある。美術館では同様の壁に同列に陳列されるが、実際は隣り合う作品によって見え方も違ってくる。そう感じている作家は多く、それは危惧せねばならない事実でもある。しかし、未だに展示方法は作家の領分でなない、つまり古典的美術のように展示場所はあらかじめ限定されているという信仰がある。感覚的には不釣り合いを感じているのに、壁に掛けてしまう。
そろそろ、作品の着地点を積極的に設けなければならない。
普通の油絵にしても、恒久的に一カ所に留まることは少ない。システィナ礼拝堂のミケランジェロ「最後の審判」のような例は幸運だと言っていい。あの壁画はあの場所のために描かれた。今は展覧会の度に違う美術館の壁を装飾している。
その場合、着地点は不特定の壁の「移動式展示」。
作品をよりよく見せる努力をする人がいる。壁の色を塗り替えるだとか、ある一定の条件を満たしていれば、ある程度の違いは許容範囲。
「移動式展示演出付き」となる。
絵画以外では、映画もこの位置にくる。作品自体はフィルムとしてあるが映画館自体は音響設備、スクリーンが様々に違っているが、観客は同一の作品と認識する。
建築の場合ははっきりと着地点を目指して設計される。作品は人が住む、利用する為にあり、その着地点（使用方法）は人が住む、利用するためと、作品の目的自体が同時に着地点となる。「最後の審判」のように目的がはっきりしている。
インスタレーションは演劇と考えれば分かりやすいか。作品として完成形ははっきりしているが、それは保存されうる物ではない。「限定的空間演出」とでもしようか。楽譜は完成しているが、楽団や指揮者、時によって全く違った演奏になる音楽はこのジャンルになるだろう。
音楽はＣＤに定着される可能性をもっている。ＣＤとして音楽を発表されつつ、ライブが行われるのは着地点を能動的に操作している。美術で言えば、作品集として出版すると言うところだろうか。
ドラマの着地点は、テレビと映画では全く違う印象がある。
週刊誌のマンガが後に単行本化されるがこの二つはやはり違う着地点と言っていい。
今の大学は、乳酸菌の入っていない牛乳みたいな物で、いくら待っていても発酵してヨーグルトになったりしない。私たちは、制作の場を提供され社会的には世間に出る執行猶予を大学にはいることによって獲得する。大学はただ通過する機能しかない。そこに僅かながらも人が留まり、留まることによって化学反応が起こり、大学自体が変化していく。
]]> 大学は教育の場であると同時に、実験と研究の場であるはずだ。学生の為だけにあるのが美大・芸大の役目ではなくて、密閉していては乳酸菌が牛乳に入れないように、大学も学生以外に門を開いた方がよい。大学は持っている豊富な施設を一般に開放しても良いかも知れない。個人では購入不可能な施設、機材は多くある。そこに活躍中の、作家、デザイナーなどを呼ぶ。その為には魅力的な大学である必要がある。大学、招待作家ともども、収穫のある計画にしなければならない。これではまだ学内だけのイベントで終わってしまう。芸術は世間一般的に実態が知られていなく、地域に根付かない事は長くはつづかない。広報活動の重要性はいくら繰り返しいっても言い過ぎにはならない。そうしてようやく大学はダイナミックになる。]]> 自分だけが満足できる作品づくりは作家として怠慢でしかない。
過去、多くの機能を持っていた絵画は現代に至るまで、その機能を様々に切り売りしてきた。写真が登場し、記録の機能を失い、様々な情報媒体の登場が、絵画に物語らせる必要もなくなってきた。
]]>これを書いたのは2000年頃、blogが流行ってたら美術ブログなんかをやってたかも。
以下も美大時代のメモ。
「鉛筆の手書きの痕跡には確かにその書き手の個性が表われ、あたかも思考の痕跡と混同する印象があることは認めるが、これが幻想だ」（『プラトンのオルゴール』川崎和男）
「手書きの味」「手作りの味」幻想。身体の延長線上としてのペンや絵筆で描いた痕跡には、魂が宿るという幻想。ワープロよりも手書きの手紙にこそ心がこもる。手がきの線であるがゆえの線の不均等さや偶然、明らかな失敗すらも「味」として肯定するのは感性が優れているとはいえず、気分程度のことでしかない。
最近、映画館がすごいらしい。もともと、無声映画から始まりトーキーになり、今ではドルビーサウンドが流行している。そのうち、客席のシートに仕掛けが組み込まれ、映像と連動して振動するというアトラクション的なものまで登場しつつあるそうだ。もともと、実体験できない事を映像にし、映像のみの力で観客の想像力を刺激して追体験させていたものが、技術の進歩により、実現可能になった。映画館離れが進んでいるらしい中の、当然の流れなのだろうか。もちろん、それを率先して行っているのが、ハリウッドだ。
娯楽超大作指向はフイルムのみの力に固執せず、いかに客を楽しませるかが第一重要事項らしく、そのためには映画館がテーマパークになろうともお構いなしである。
誰しもそうだが若い時って尖ってて、自分が世間を変えられると思ってた。
さすがに30代になるとそうでもないなーと、思わなくもないけど。
でも、失いたくないモノもある。
1話目は連載開始で、特殊そうなので、3話目を取り上げる。
それぞれのコマを下記の種類で分類。
画角
アイレベル
距離
種類
それでは結果。
■総コマ数
21ページ90コマ
■画角
基本は標準レンズのよう。
広角も、いわゆる広角的なコマはなかった。
例えば、アイレベル低めで、柱が真ん中に倒れ込むような構図。
アイレベル
やはり標準が多い。
状況を見せやすい俯瞰構図は比較的使われている。
余談だが、アイレベルは画面中央より、若干低めに設定した方が決まりやすい。
俯瞰はどうしてもべたっとした絵になるので、煽りを意識した構図にすると良いだろう。
距離
種類
以上、参考になれば。
みなさん方の時代は不幸だ。コンテンツマーケットの会場にはCGを使った作品が多いが、同じソフト使ってたら独自の物は作れるわけないと思う。みなさんはそう思ってないでしょうが。
過去の芸術家を見ると、ツール自体の研究も行っていた。レオナルド・ダ・ヴィンチもテンペラ技法を苦心して、最後の晩餐を描いたみたい。結果的には脆くてはげ落ちてるが。 表現を考える上では、（古くさい考え方だが）デジタルだけでは幅が狭いのかもしれない。
手塚治虫先生もそうだったと思うんですが、人一倍寝ないで人一倍ペンを動かす。なぜ腱鞘炎にならないか謎でした。5時間寝たら寝過ぎという体になっちゃっていました。それくらい働いていたというだけ。基本的に体力勝負なんです。
下手な鉄砲数打ちゃあたる、でなく、上手い鉄砲も数撃たないとあたらない、ということだろう。 作詞家の秋元康氏もヒット作を連発している。が、ヒットせず忘れ去られた曲は数倍もあると聴いたことがある。
そこでもう1つ重要なモーメントは、他人のコピーになってしまうかどうかは、その人が本性的にもってる指向性や方向性に合致しているかしていないかです。11、12歳ぐらいまでにあなたが好きだったものにこだわれ、ということです。その延長線上にあるものと今やってる仕事がフィットするとかなりいい所に行くだろうと言えます。
マンガやアニメや小説は既に二次資料でしかない。既に誰かの加工が入っているため、これに影響を受けるとコピーのコピーにしかならない。宮崎駿も押井守も一次資料の重要性を説いていたナー。
おそらく、クリエイター、アーティスト、作り手が生身に持っている「俺はこれが絶対なんだよね、お前ら!! これ！」というものが封じ込められていないものは、どんなきれいなキャラクターやストーリーを作ろう、やはりだめなんじゃないのかな。
作品には情念やら、魂やら、匂いたつモノ、生臭さが必要と言うことか。
めでたさを自分のために手に入れるにはどうすればいいか。宮崎駿さんがある講演会で言っていた、同じことを言わせてもらいます。「自分が手の届く範囲のことを一生懸命やることが一番の宝だ」というのは本当だと思います。年寄りの忠告になるんですけど、それを信じてやってほしい。どういうことかというと、男の人に特に言うが、エロサイト見てる暇あったら自分の技量を磨け。
好きなことに一心不乱で打ち込む。日々に忙殺されると、忘れがちな事。キモに命じておこう。
]]>企画に必要な項目にそって、企画を練るためのシート。
企画が成功するか否かは、以下のような必要項目を押さえられるかどうかにかかってくる。
企画を考える場合は構想ノートを使用する。
おもろいキャラの組み合わせを分解する。
物語のパターンを二つ作る。
得意なAパターンを80%。
面白くなくてもBパターンを20%混ぜる。
するとAパターンが栄える。かつマンネリだと思われない。
物語・世界観・キャラクター
ジェームズ・キャメロン監督と会った際もそういう話になった。彼はまず、観客のの支持を得られそうなキャラクターを最初に創造する。そして、そのキャラクターを使って観客の飽きない物語を作り、最後に世界観を作る、と。僕はいつもその逆だと説明した。まず、世界観を構築し、その世界でどんな物語を展開するかを考え、その物語世界になじむキャラクターを最後に考える。
「他力本願［仕事で負けない7つの力］押井守著 幻冬舎」88ページより引用
マンガなら確実にキャラクターなのだろう。
以前、マンガのコンペにたまたま参加出来たとき、世界観やら、物語を先にもっていくと、編集者に「そんな贅肉いらん」と言われたことがある。
まずはキャラを作れと。
よく言われるが「キャラ立ち」しなければ、なんにもならない。
逆にキャラが立てば、つまらない物語でも面白く出来る。
『うる星やつら』や『ドクタースランプ』が好例。
で、早速結論を言うと、なんとも不思議な映画だった。
入り込めないというか、夢中に慣れないというか。
宮崎アニメを観て初めて頭に「？」が浮かんだ作品。
細やかな生活アニメーション。
ルパン、コナンを彷彿とさせるアクションシーン。
ラピュタに代表されるボーイミーツガールの主題。
どれをとっても宮崎アニメ。
部分部分はあきらかに宮崎アニメ。
じゃあ、何が今まで違うかと言うと、世界観とドラマだと思う。
一言でいうなら『ポニョ』は絵本のような映画だった。
『ポニョ』を異世界遭遇系と捉えると、『トトロ』や『千と千尋の神隠し』の類型だと言える。
『ポニョ』が他作品と違うのは、現実と異世界の境界が曖昧な点だろう。
『トトロ』では、しっかりと現実世界が描かれている。
トトロやマックロクロスケを見られるのも子供だけ。
ネコバスも大人視点だと、突風として表現されている。
『神隠し』では明確に異世界の扉（モルタル作りの建物）が用意されていた。
それが『ポニョ』では、最初からフジモトが登場。
あり得ない津波を不思議に思わないリサ。
物語中盤、街が海に沈んでもノンビリと船で漂っている夫婦。
何が起きても不思議ではない世界。
つまり僕らにとっては、何が起きても驚かない世界だった。
ドラマとは葛藤。
『ポニョ』はどのキャラもみんな、思いがストレートで葛藤がない。
迷いなく、前に突き進む。
また、乗り越えるべき障害もない。
宗介の周りは味方ばかり。
物語が僕らの中をすんなりと通り抜ける感覚は、多分、この葛藤の薄さじゃあないだろうか。
ただ、これは大人の意見。
子供はどう受け止めるのだろう。